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Archive for the ‘Bandas y solistas.’ Category

Mujer de América herida, tu canción nos pone alas y hace que la patria toda, menudita y desolada, no se muera todavía. No se muera porque siempre cantará en nuestras almas.

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Desde Argentina, tenemos que informarle que la señora Mercedes Sosa, la más grande Artista de la Música Popular Latinoamericana, nos ha dejado. Hay de Mercedes Sosa, nació el día 9 de Julio de 1935 en la ciudad de San Miguel de Tucumán. Con 74 años de edad y una trayectoria de 60 años, Ella transitó diversos países del mundo, compartió escenarios con innumerables y prestigiosos artistas,y dejó además, un enorme legado de grabaciones discográficas.

Su voz llevó siempre un profundo mensaje de compromiso social a través de la música de raíz folklórica, sin prejuicios de sumar otras vertientes y expresiones de calidad musical.

Su talento indiscutible, su honestidad y sus profundas convicciones dejan una enorme herencia para las generaciones futuras. Admirada y respetada en todo el mundo, Mercedes se constituye como un símbolo de nuestro acervo cultural que nos representará por siempre y para siempre.

Quizás, las palabras de su entrañable amiga, Teresa Parodi,resuman el sentimiento de muchos:

“…Mercedes, salmo en los labios

amorosa madre amada

mujer de América herida

tu canción nos pone alas y hace que la patria toda

menudita y desolada no se muera todavía,

no se muera porque siempre cantarás en nuestras almas…”

Sus restos serán velados en el Salón de los Pasos Perdidos, en el Honorable Congreso de la Nación, Avda. Rivadavia 1864 a partir del mediodía de hoy.

Su Familia, allegados y amigos, agradecen profundamente el acompañamiento y el apoyo expresado en estos días.

Gracias a Tí, Mercedes Sosa.

Guido Carelli, Revista Ñ.

BUENOS AIRES.-Argentina llora la muerte de ‘la Negra Sosa’, su artista más querida. Mercedes cantó por la libertad y se convirtió en símbolo contra la dictadura militar, la que asoló a su país y también a gran parte del Cono Sur durante los setenta y ochenta. En 1982, antes de la Guerra de las Malvinas, la artista regresó a su país desde el exilio para ofrecer una serie de conciertos que anticiparon la restauración de la democracia. Éste es el homenaje de quien creció escuchando sus discos a escondidas.

Afuera hay un borracho autoritario con sus soldaditos de plomo. Afuera hay una ciudad y todo un país con miedo. El loco, jugador empedernido, se va a jugar la última mano con una guerra, con un manotazo de ahogado, casi en el fin del mundo. Se va a cargar la vida de cientos de pibes, con el último trago desesperado. Pero está perdido, lo sabemos todos los que estamos acá, sin miedo, con ganas de escucharte cantar, después de años de silencio, de hacer correr tus vinilos, con un poco de miedo, y con mucho más de esperanza.

Es 1982 y volviste para decirles que ya pasó su tiempo, que no tenemos de qué preocuparnos. Ni siquiera importa si de verdad estuve en alguno de esos doce conciertos o si crecí con su recuerdo; con copias piratas, con relatos de los viejos, que sí pudieron disfrutarte. Volviste, te fuiste otra vez y regresaste, siempre volviste.

Pero ahora te vas para siempre, caprichosa, Negra esquiva, porque siempre fuiste libre, independiente.

Vos en el cielo y nosotros en el mismo infierno argentino. Igual que antes, en los años de plomo, igual que en la euforia mentirosa de nuestra democracia entreguista. Nos quedan tus canciones, para respirar un poco de ese paraíso que siempre pregonaste, el de la verdadera libertad, el de la igualdad de oportunidades.

¿En qué momento, Mercedes, te convertiste en ‘La Negra’, en la única? ¿Fue cuando empezó a oler a pólvora, cuando luchábamos por causas propias y ajenas, pequeñas y titánicas, omnipotentes y sedientos de justicia? ¿O fue más tarde, cuando la sangre llegó al río, que se puso rojo y espeso? En algún instante, en la mitad de los 70 te convertiste en ‘La Negra’, en la única.

Ahí, en la oscuridad del miedo, a ciegas, en la realidad más negras, tus canciones, o las de la Parra, las de Silvio, León o Víctor Jara —que por derecho hiciste tuyas— se hicieron antídotos de angustia y de desesperanza. En un asado, en la facultad, también en la espera interminable para que aparecieran los que nunca iban a volver, tu voz grave y dulce era un abrigo y la certeza de que la que moría era la tormenta de mierda de miedo,asesina.

Escuchar tus vinilos a escondidas Y los hijos de puta reaccionaron, te prohibieron, como si eso fuera a cambiar su suerte, como un conjuro. Te quisieron sacar tus letras, que ya no eran tuyas, que eran nuestras. Prohibida y todo, ¡qué fuerte sonaban tus vinilos en casa, Mercedes! Aunque había que andar con cuidado, guardarlos apartados por el miedo de los que te odiaban y escucharlos en grupo para que la espera se hiciera soportable, la mordaza se aflojara y vos por fin volvieras.

No fue sólo folclore. Yo crecí con rock, con Fito, Charly y “los hambrientos, los que se fueron, los que están en prisión”. Crecí con vos, que cantabas, que te animabas con Sting —si eso no es libertad…—, que gritabas otra vez para que no olvidáramos las injusticias del pasado y tampoco las del presente. Y las que tenemos enfrente, ‘Negra’.

Pero le cantabas a la vida, con alegría, para que también en la ciudad babilónica y pretenciosa tuviéramos un poco de Argentina y de América profunda, verdadera y postergada. Pero siempre auténtica, como vos.

Afuera está la selva, Mercedes, otros demonios, 27 años después. Tengo miedo y lo único que me calma es la misma copia vieja y pirata de tus canciones.

Su Trayectoria

EL PRINCIPIO

HAYDÉE MERCEDES SOSA nació en San Miguel de Tucumán el 9 de julio de 1935, en un hogar humilde. De esos años viene su apego por las expresiones artísticas populares. Recién salida de la adolescencia, le gustaba bailar y enseñaba danzas folklóricas. También cantaba.

En octubre de 1950, quinceañera, empujada por el entusiasmo de un grupo de amigas inseparables, se animó a participar en un certamen radial organizado por LV12 de Tucumán. Oculta tras el seudónimo de Gladys Osorio, su incipiente calidad como cantante la hizo triunfar en un concurso cuyo premio era un contrato por dos meses de actuación en la emisora. Fue el principio…

EL NUEVO CANCIONERO

Una década después, cuando se produjo una suerte de estallido en torno de la música folklórica, meramente consumista, el nombre de Mercedes Sosa ya estaba comprometido con el canto popular como integrante del Movimiento del Nuevo Cancionero, una corriente renovadora del folklore, surgida en la provincia de Mendoza, que proponía dejar de lado las modas pasajeras, para poner el acento en la vida cotidiana del hombre argentino, con sus alegrías y tristezas.

Entre los artistas fundadores y promotores de este movimiento estaban Armando Tejada Gómez, Manuel Oscar Matus y Tito Francia.

Sus aptitudes artísticas y personales sorprendían a un público acostumbrado a otra cosa. Junto con su marido Manuel Oscar Matus, hicieron conciertos en la Universidad. Otros escenarios los empiezan a recibir alentadoramente. Matus editó en un sello independiente el primer disco de Mercedes Sosa: “Canciones con fundamento”.

Por esa opción, la cantante tuvo que trajinar varios años antes de conseguir un reconocimiento como el que obtuvo en el Festival Nacional de Folklore de Cosquín, en 1965, cuando gracias a la generosidad del cantor Jorge Cafrune, el país entero pudo conocer a esta maravillosa cantante argentina y fue la ocasión que marcó el nacimiento de la gran artista popular que siempre mereció ser. Después, fueron sus innegables condiciones las que le permitieron convertirse en la gran figura que hoy aplaude todo el mundo.

También en 1965 intervino en la grabación de “Romance de la muerte de Juan Lavalle”, de Ernesto Sábato y Eduardo Falú, cantando “Palomita del valle”.

En marzo de 1966, se conoció “Yo no canto por cantar”,, con una docena de canciones hoy antológicas, entre las que estaban “Canción del derrumbe indio”, “Canción para mi América”, “Chayita del vidalero”, “Los inundados”, “Zamba para no morir”, “Tonada de Manuel Rodríguez” y “Zamba al zafrero”. Tal fue la aceptación de este disco, que apenas siete meses después, en octubre, fue invitada a grabar otro que apareció con el título de “Hermano”.

A fines de 1967, “La Negra” hizo conocer “Para cantarle a mi gente”,, un disco que acumuló un importante caudal de poesía argentina y latinoamericana.

En abril de ese mismo año, había subyugado al público europeo y de los Estados Unidos con exitosas actuaciones en Miami, Lisboa, Porto, Roma, Varsovia, Leningrado, Kislovo, Sochi, Gagri, Bakú y Tiflis. Durante esa gira conoció a Ariel Ramírez quien le propuso, de inmediato, ser la voz de”Mujeres Argentinas”, trabajo que recién se concretaría en 1969, luego de la aparición de “Zamba para no morir”, una recopilación con los temas de mayor trascendencia grabados hasta ese momento, y “Con sabor a Mercedes Sosa”, en el que registró por primera vez “Al jardín de la República”.

Cuando le propusieron grabar”Mujeres Argentinas”, el país estaba viviendo bajo el peso de un régimen militar y Mercedes, como muchos argentinos, sufrieron las consecuencias: sus canciones no se podían difundir por Radio Nacional, una emisora gubernamental.

DÉCADA DE LOS 70

En 1970 participó en el filme “El Santo de la Espada”, de Leopoldo Torre Nilsson y dió a conocer dos discos importantes en su carrera: “El grito de la tierra” y “Navidad con Mercedes Sosa”. En este período grabó, entre otras, “Canción con todos” y “Cuando tenga la tierra”, de Ariel Petrocelli y Daniel Toro y la bellísima “La Navidad de Juanito Laguna”, del “Cuchi” Leguizamón y Manuel J. Castilla.

En 1971 se conoció “La voz de Mercedes Sosa” y apareció “Homenaje a Violeta Parra”, un disco que reúne casi una docena de temas de la gran protagonista del Canto Popular Chileno. Ese año también participó en “Güemes” (La tierra en armas), filme dirigido por Leopoldo Torre Nilsson. En un breve, pero significativo papel, encarnó a la heroína altoperuana Juana Azurduy.

En 1972 se editó “Hasta la victoria”, un disco lleno de canciones cargadas de contenido social y político. Eran tiempos en que algunos pocos compositores y también cantores como Mercedes Sosa no permanecían ajenos al compromiso y la militancia con la que querían colaborar para conseguir un mundo más justo y equitativo. También en ese año le puso su voz a la “Cantata Sudamericana”, con música de Ariel Ramírez y letra de Félix Luna.

TIEMPOS DIFÍCILES

“Mercedes Sosa” y “Traigo un pueblo en mi voz”, aparecieron en 1973, año del convulsionado regreso a la democracia y prólogo de una época difícil y violenta. Mercedes continuó en la misma línea que su trabajo anterior y grabó algunos temas con los que encaró la realidad americana.

En 1975 se edita “A que florezca mi pueblo”.

En agosto de 1976, un año crucial para la Argentina, se editó “Mercedes Sosa”, trabajo en el que rescató poetas argentinos y latinoamericanos como los chilenos Víctor Jara y Pablo Neruda, la peruana Alicia Maguiña y el cubano Ignacio Villa, “Bola de Nieve”.

Al año siguiente, en 1977, “La Negra” le rindió un homenaje a uno de los grandes compositores y cantores populares argentinos con “Mercedes Sosa interpreta a Atahualpa Yupanqui”. El clima político que vivía el país cada vez se sentía más opresivo.

EL EXILIO

En 1979, se editó “Serenata para la tierra de uno”. Aún en medio de la violencia que sacudía al país, Mercedes seguía cantándole a la vida. El hostigamiento y el cerco que se fue formando en torno de ella la obligaron a exiliarse. Ese año fue detenida en la ciudad de La Plata junto con todo el público que había ido a verla cantar. Ese mismo año se instaló en París y en 1980 se afincó en Madrid.

En teoría, Mercedes Sosa podía entrar y salir del país, no tenía causa judicial alguna, pero no podía cantar. Fue un castigo doble: para ella y para todos los argentinos. En un país en que la vida humana no tenía valor alguno, y cientos de ellas se perdían en la oscuridad de las mazmorras, los usurpadores del poder pensaban que la canción con contenido era peligrosa. Por eso había que acallar a los cantores, como una manera de silenciar a la gente.

EL REGRESO

“La Negra” recién pudo regresar a un escenario argentino el 18 de febrero de 1982, un par de meses antes que la dictadura se embarcara en la Guerra de Malvinas. El régimen militar que desde poco más de un lustro atrás sometía al país, había comenzado a agonizar. En el Teatro Opera de Buenos Aires realizó más de una docena de conciertos.

Con estas actuaciones tan esperadas, Mercedes no sólo se reencontró con su público de siempre, sino que allí la vieron por primera vez miles de jóvenes que desde entonces la convirtieron, también, en “su ídola”. De esos trece recitales en el Teatro Opera quedó el L.P. doble “Mercedes Sosa en Argentina”, en el que también intervinieron sus compañeros de aquellas noches: León Gieco, Charly García, Antonio Tarragó Ros, Rodolfo Mederos y Ariel Ramírez.

Al cabo del ciclo en el Teatro Opera, Mercedes regresó a España, donde estaba radicada, volvió a mediados de año a América para presentar su disco “Gente humilde” y para realizar una serie de conciertos en las principales ciudades del Brasil. Poco tiempo después regresó definitivamente a la Argentina. Ese mismo año hizo conocer “Como un pájaro libre”, un hermoso disco que incluyó temas de autores tradicionales y otros más jóvenes.

La cantante continuó con sus giras por los países más diversos del planeta, actuando siempre en los escenarios más grandes y prestigiosos, como el Lincoln Center, el Carnegie Hall, en los Estados Unidos, o el Mogador de París.

En el último trimestre de 1983, se conoció “Mercedes Sosa”, un disco en el que registró varias canciones que serían algunos de sus grandes éxitos: “Un son para Portinari” y “Maria Maria”. También en esa recordada placa grabó: “Inconciente colectivo”, de Charly García, “La maza” y “Unicornio”, de Silvio Rodríguez, “Corazón maldito”, de Violeta Parra y “Me voy pa’l mollar”, junto con la recordada cantante Margarita Palacios.

LA DEMOCRACIA

En 1984 se vivía la euforia del regreso a la Democracia, luego de una dictadura y una guerra. Mercedes regresó al disco con “¿Será posible el sur?”, en el que se entremezclan las canciones esperanzadas, los ritmos folklóricos y el canto latinoamericano. El 21 de diciembre, junto con Milton Nascimento y León Gieco, protagonizó el espectáculo denominado “Corazón americano”, que convocó a una multitud pocas veces congregada.

1985 fue un año doblemente importante. Desde el punto de vista discográfico, Mercedes dio una vez más un espaldarazo a los compositores argentinos con “Vengo a ofrecer mi corazón”, en el que registra canciones trascendentales como la de Fito Páez que le da título al trabajo, pero también “Razón de vivir” y “Madre de madres”, de Víctor Heredia, “Entre a mi pago sin golpear”, de Carlos Carabajal y Pablo Raúl Trullenque, “Canción para Carito”, de Antonio Tarragó Ros y León Gieco.

Se conoce “Corazón Americano”, grabado en vivo el año anterior durante la actuación realizada junto con Milton Nascimento y León Gieco.

En el primer semestre de 1986, realizó una extensa gira por Alemania y Europa Central. En agosto, “Lisneer Auditorium”, de Washington; “Teatro de la Corte”, del Central Park, de Nueva York; “Teatro Auditorium Lakeview”, de Chicago. Alemania: Hamburgo, Munich, Stuttgart, Dreieich y Erlangen. Rotterdam, Holanda Atenas, Grecia. 25 recitales en Brasil. Se edita “Mercedes Sosa ’86”, en el que intervinieron como invitados el bandoneonista Leopoldo Federico y el grupo Markama. Es un disco en el que predominan los ritmos argentinos.

Aparece “Mercedes Sosa ’87” en el que incluyó una decena de canciones y contó con la participación de Pablo Milanés, Teresa Parodi, Víctor Heredia y Fito Páez. Ese mismo año, durante dos meses y medio realizó una gira por Suiza, Alemania Federal, Noruega, Suecia, Holanda, Estados Unidos, Puerto Rico, República Dominicana y México. Las actuaciones más importantes fueron, sin dudas, en el Contcergebouw, de Amsterdam y en el Carnegie Hall, de Nueva York, donde su actuación fue saludada con una ovación de diez minutos.

En 1988 intervino en el ciclo “Los grandes en vivo”. Se publicó “Amigos míos”, un disco compilado de Mercedes Sosa cantando con Milton Nascimento, Pablo Milanés, Teresa Parodi, Charly García, Fito Páez y Raimundo Fagner, entre otros.

Como productora, organizó uno de los espectáculos más importantes ya presentados en la Argentina: “Sin Fronteras”, que reunió en el estadio Luna Park de Buenos Aires, a siete cantantes latinoamericanas: las argentinas Teresa Parodi y Silvina Garré, la colombiana Leonor González Mina, la venezolana Lilia Vera, la brasileña Beth Carvalho y la mexicana Amparo Ochoa, además de la propia Mercedes.

A fines de julio de 1989, “La Negra” recibió de manos de Pierre Décamps, Embajador de Francia en la Argentina la medalla de la Orden del Comendador de las Artes y las Letras, otorgado por el Ministerio de la Cultura de la República Francesa.

UNA NUEVA ETAPA

En 1990 apareció un disco titulado “Mercedes Sosa en vivo en Europa”, participó en el filme “Verano del potro”, interpretando el tema “Siempre en ti”. Actuó en Australia, Grecia, Holanda, Alemania, Luxemburgo, Suiza, Francia y Brasil y además protagonizó inolvidables noches en el Luna Park con actores y un numeroso grupo de cantantes invitados. En diciembre, cerró el año con dos actuaciones a sala repleta en el Gran Rex, dentro del ciclo “Creativa 90”, también acompañada por muchos músicos invitados. Con el registro de esas noches, se editó “De mí”, aparecido en noviembre del año siguiente.

El 20 de diciembre de 1991, luego de casi diez años de no cantar en un estadio abierto, Mercedes se reencontró con la multitud en Ferro Carril Oeste. La acompañaron Fito Páez, Julia Zenko, Nito Mestre, Piero, Celeste Carballo, los Illya Kuryaki, León Gieco, Charly García, Víctor Heredia, Mariano Mores, Facundo Ramírez, Horacio Molina, Coqui y Claudio Sosa y Hamlet Lima Quintana. 15.000 personas deliraron durante poco más de dos horas y media de show.

El 1 de abril de 1992 en el Salón Dorado del Honorable Concejo Deliberante fue declarada Ciudadana Ilustre de la Ciudad de Buenos Aires. Fue un año importantísimo para Mercedes, marcado por su viaje a Chile, donde cantó en la Quinta Vergara, de Viña del Mar y en el Estadio Chile, de Santiago. Fueron tres actuaciones cargadísimas de emociones.

A comienzos de 1993 atravesó nuevamente los Andes para intervenir en el Festival Internacional de Viña del Mar, donde, como tantas veces lo hiciera, fue anfitriona de un grupo de importantes cantantes argentinos, entre ellos Julia Zenko, Víctor Heredia y Teresa Parodi. Posteriormente, actuó en varias ciudades chilenas.

También editó “Sino”, una placa en la que compartió la producción artística con Fito Páez y participó en la banda sonora del filme “Convivencia”, cantando un tema con Pablo Milanés y otro con el ya desaparecido Roberto Goyeneche. En noviembre de ese año se publicó una compilación, titulada “Mercedes Sosa, 30 años”, que reunió una veintena de temas grabados en diversas épocas por “La Negra”.

En noviembre de 1994 apareció “Gestos de amor”, uno de sus últimos trabajos discográficos, tan bien recibido por el público, que rápidamente le valió ser distinguida con el Disco de Platino.

A mediados del mes siguiente, representó a las voces de la Argentina y América, en el Segundo Concierto de Navidad realizado en la Sala Nervi del Vaticano. Fue la más aplaudida en ese espectáculo realizado para el Vicariato de Roma, del que participaron, entre otros, el tenor español Alfredo Kraus y la soprano Renata Scotto.

Unos días antes, en dos inolvidables jornadas, fue la solista de la “Misa Criolla”, que se presentó, con un coro de casi 600 almas, en el imponente Anfiteatro Frank Romero Day, de la ciudad de Mendoza y que fue presenciado por cerca de 30.000 espectadores. Cerró el año con dos actuaciones en el Luna Park.

En enero de 1995, luego de participar en el Festival Internacional de Mar del Plata intervino en el “Americanto” realizado en Mendoza. A mediados de año visitó Chile, comenzando una “tournée” que la llevaría a Costa Rica, El Salvador, Honduras, Panamá y Uruguay.

En agosto de ese año, cerca de dos mil personas respondieron a la convocatoria del ciclo “Maestros del Alma” para brindar un cálido homenaje a Mercedes Sosa quien aquella noche recibió el testimonio del siempre creciente afecto del público y el canto de sus compañeros músicos como Julia Zenko, Peteco Carabajal y Víctor Heredia, entre varios otros. Más adelante, realizó una gira por varias ciudades del Brasil, entre ellas, San Pablo, Belo Horizonte, Florianópolis y Porto Alegre.

Un tiempo después hizo dos exitosas actuaciones en San Juan de Puerto Rico, que fueron el prólogo de una extensa gira por los Estados Unidos realizada en noviembre último y que comenzó en el Zellenbach Hall – Cal Perfomance Arts Center de Berkeley, San Francisco. Luego siguió con dos conciertos consecutivos en el Wadsworth Theater – UCLA de Los Angeles, California y presentaciones en el Bass Concert Hall, de Austin, Texas; en el Jackie Gleason Theater for the Perfoming Arts de Miami, Florida; en el Kennedy Center for the Perfoming Arts, de Washington; en el Avery Fisher Hall – Lincoln Center de New York; en el Symphony Hall de Boston, Massachusetts y en el Queen Elizabeth de Vancouver, en la Columbia Británica. Luego actuó en Lima y al cabo de ese concierto realizó otros dos en La Paz, Bolivia.

En diciembre de 1995 se editó “Mercedes Sosa – Oro”, una compilación de 17 temas grabados entre 1969 y 1994. El repertorio de este trabajo dibuja nítidamente el perfil de esta gran artista popular.

En un año de mucha actividad artística como 1995, no le faltó tiempo para estar cerca de sus compañeros los músicos. Solidaria, no sólo preconiza la necesidad de unión de los músicos argentinos, sino que pregona con el ejemplo. Intervino con su voz en las grabaciones de los discos de María Graña, Peteco Carabajal, Los Trovadores, Alejandro Dolina, Lito Vitale, Víctor Heredia y Eduardo Lagos. También cantó en vivo en las presentaciones teatrales de Coqui y Pajarín Saavedra, Víctor Heredia, Liliana Herrero y Peteco Carabajal.

“La Negra”, reconocida unánimemente como la dueña de una de las voces más importantes del mundo, en 1966 desplegó una intensa actividad profesional. En los primeros meses realizó una gira que la llevó a recorrer escenarios de varias provincias argentinas, en festivales de ciudades como Diamante (Entre Ríos); Villa María y Villa Allende (Córdoba) para luego de una actuación en Concepción (Chile), culminar el mes de enero con aquella inolvidable noche de clausura del XXXVIº Festival Nacional de Folklore de Cosquín. Una noche que aun perdura en la memoria de muchos, que vibraron con el canto de nuestra tucumana.

A Cosquín le siguieron, durante febrero y marzo, presentaciones en Rosario (Santa Fe); Puán, Baradero y Mar del Plata (Provincia de Buenos Aires); Villa Carlos Paz y Leones (Córdoba); Tunuyán (Mendoza), Chilecito (La Rioja), Punta Arenas y Santiago (Chile). La gira estival concluyó con dos actuaciones en Asunción (Paraguay), con la presencia del compositor e intérprete Charly García como artista invitado.

A comienzos de abril volvió a los estudios para grabar “Escondido en mi país”, su nuevo disco, con un repertorio netamente folklórico, de gran repercusión en el público. Unos días después de finalizado su trabajo en Buenos Aires, realizó un exitoso concierto en las Islas Canarias. A mediados de año le siguieron conciertos en el Brasil y más adelante, actuaciones en Ecuador, Uruguay y en algunas ciudades de los Estados Unidos y Canadá.

En el segundo semestre de 1996 hizo la presentación en el Teatro Opera de Buenos Aires de los temas de su disco “Escondido en mi país”. Cinco conciertos a sala llena con un público entusiasmado por este “baño de folklore”, como dijeron algunos críticos. Poco después concretó una serie de actuaciones por Estados Unidos, Canadá y Puerto Rico, donde el 20 de octubre realizó un concierto memorable. Luego de ese fatigoso viaje se puso a trabajar de lleno en el disco que grabó con temas de Charly García.

Iniciado el año 1997 participó en el XXXVIIº Festival Nacional de Folklore de Cosquín, llevando como invitado a Charly García. Fue un verdadero acontecimiento musical que marcó un hito en la historia de este popular evento.

Al cabo de una actuación en Paraguay y en el Festival Nacional de Tonada, de Tunuyán, Mendoza, Mercedes cerró en la Capital argentina el ciclo “Buenos Aires Vivo”, organizado por la Secretaría de Cultura de la Ciudad ante una concurrencia estimada en 120.000 espectadores, con la participación de algunos artistas invitados entre los que se encontraba nuevamente Charly García y el Chango Farías Gómez.

En marzo de 1997 participó del cónclave internacional denominado “Río + 5”, en el que intervino en su carácter de vicepresidente del Consejo de la Tierra en representación de Latinoamérica, con la finalidad de intervenir en la redacción de la “Carta de la Tierra”, un documento equivalente a la Declaración Universal de los Derechos Humanos, para definir un sistema operacional de valores que guíen nuestro comportamiento, nuestras relaciones y esfuerzos para el desarrollo.

Luego MERCEDES SOSA viajó a la ciudad de Bogotá, Colombia, para intervenir, junto con Charly García y Fito Paéz en un multitudinario espectáculo realizado en el estadio El Campín.

El 8 de julio, en vísperas de su cumpleaños, cantó en la ciudad de Salta y una semana más tarde, los días 11, 12 , 13 y 15 de Julio, ofreció cuatro conciertos en el TEATRO OPERA, de Buenos Aires, en los que, además del cancionero netamente folklórico, interpretó algunos temas nuevos y conó con la presencia de varios artistas invitados como Víctor Heredia, Julia Zenko, Claudio Sosa, Horacio Molina, Coqui Sosa, Angela Irene, Pocho Sosa y la participación especial de Charly García.

Luego de estas actuaciones y durante los próximos dieciocho meses “La Negra” no volvería a cantar este repertorio en Buenos Aires.

A fines de julio se conoció finalmente “Alta Fidelidad. Mercedes Sosa canta Charly García”. La expectativa del público, ansioso por conocer el resultado de este trabajo en común, aseguró el entusiasmo de los dos protagonistas de este trabajo que fué un hito en la discografía de ambos y en la música popular latinoamericana.

Tras muchos meses de labor el disco quedó terminado. Grabado en Madrid, Nueva York y Buenos Aires, “Alta Fidelidad. Mercedes Sosa canta Charly García” reúne una docena de canciones: “Cuchillo”, “Promesas sobre el bidet”, “Rezo por vos”, “Como mata el viento norte”, “Cuando ya me empiece a quedar solo”, “Hablando a tu corazón”, “Los sobrevivientes”, “El tuerto y los ciegos”, “De mí”, “Cerca de la revolución”, “Siempre puedes olvidar” y “Plateado sobre plateado (huellas en el mar)”, creadas por el talentoso músico del bigote bicolor, salvo “Rezo por vos”, compuesta junto con Luis Alberto Spinetta y “Siempre puedes olvidar”, con Fabiana Cantilo.

En este trabajo de excepción han trabajado músicos notables como: Pedro Aznar, Bernardo Baraj, Juan Bellia, Andrés Calamaro, Alejandro De Raco, Erica Di Salvo, Ulises Di Salvo, Ciro Fogliatta, María Gabriela Epumer, Rubén Georgis, Pablo Guadalupe, Belén Guerra, Juanse, Rubén Lobo, Nito Mestre, Migue, Rinaldo Rafanelli, Rodolfo Ruiz, Gabriel Said, Mario Serra y el gran actor argentino Alfredo Alcón que puso su voz en “Los sobrevivientes”.

A lo largo de su brillante trayectoria artística, además de las distinciones mencionadas, Mercedes Sosa fue declarada Ciudadana ilustre de Tucumán, recibió la Orden del Mérito de la República Federal de Alemania; la Medalla al Mérito Cultural del Ecuador; la Placa de la Universidad Nacional Mayor de San Marcos, Perú, en reconocimiento a sus 30 años de difusión del canto latinoamericano; el Premio ACE 1993, por su L.P. “Sino” y el Martín Fierro 1994 al mejor show musical en televisión.

Durante 1995 Mercedes Sosa recibió varios premios y distinciones. Entre ellos, el Gran Premio CAMU-UNESCO 1995, otorgado por el Consejo Argentino de la Música y por la Secretaría Regional para América Latina y el Caribe, del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO; el Premio de la UNIFEM, organismo de las Naciones Unidas que la distinguió, poco antes de su actuación en el Lincoln Center de New York, por su labor en defensa de los derechos de la mujer; Konex de Platino 1995 a la Mejor Cantante Femenina de Folklore y Konex de Brillante a la Mejor Artista Popular de la Década. También ese año recibió el halago de ser incluida por la Secretary-General United Nations Politic World Conference o­n Women, en la colección discográfica denominada “Global Divas”.

Este trabajo, que incluye “Gracias a la vida” cantado por Mercedes Sosa, de distribución internacional, reunió a algunas de las voces más importantes del mundo de todos los tiempos, entre las que están Edith Piaff, Marlene Dietrich, Amalia Rodrigues, Lucha Reyes, Miriam Makeba, Celina González, Marian Anderson, Aretha Franklin, Elis Regina, Maria Bethânia y Gal Costa.

En julio de 1996 en Porto Alegre, Brasil, el Gobierno del Estado de Rio Grande do Sul le otorgó la Medalla Simöes Lopes Neto en honor a sus méritos artísticos y personales puestos al servicio de la unidad de los pueblos.

El 4 de octubre de 1996, en la ciudad alemana de Aix-la-Chapelle, recibió el Premio CIM-UNESCO 1996 del Conseil International de la Musique – UNESCO, con sede en la ciudad de París, Francia, destinado a músicos de todo el mundo, que se han destacado personal y profesionalmente.

Este Premio, creado en 1975, está destinado a recompensar a los músicos e instituciones musicales que con sus obras o actividad han contribuido al enriquecimiento y desarrollo de la música y servido a la paz, a la comprensión entre los pueblos, la cooperación internacional y a los otros fines proclamados por la Carta de las Naciones Unidas y el Acta Constitutiva de la UNESCO.

En el caso de la cantante Mercedes Sosa, expresó en su comunicación el Consejo Internacional de la Música, “El Jurado ha decidido el otorgamiento de este Premio no sólo por su brillante carrera sino también en reconocimiento de sus grandes valores éticos y morales de los cuales ha dado prueba durante los sombríos años que conoció la Argentina, por la preocupación que ha tenido de promover constantemente la defensa de los derechos humanos”.

Unos días antes, en la Sede del Consulado General de la República Argentina en Nueva York, Mercedes Sosa recibió otra distinción, esta vez del Consejo Interamericano de Música de la Organización de los Estados Americanos (OEA). Ante representantes de todos los países latinoamericanos, recibió un Diploma de Honor en reconocimiento a su trayectoria.

El 9 de diciembre de 1996 en el Congreso Nacional, el pueblo de todo el país, a través de sus legisladores, le rindió un homenaje, en su calidad de “personalidad de la cultura nacional, por su valiosa trayectoria artística en defensa de la música popular”. Aquella tarde un grupo de músicos populares argentinos se sumó con el aporte de su arte al gesto de los diputados. Actuaron y ofrecieron lo mejor de cada uno de ellos: Peteco Carabajal, Verónica Condomí, Coqui, Claudio y Pocho Sosa, Liliana Vitale, Rodolfo Mederos, Federico de la Vega, Chango Farías Gómez, Víctor Heredia, León Gieco y Charly García que interpretó su creativa versión del Himno Nacional Argentino con lo que hizo vivir un momento de profunda emoción, no sólo a Mercedes y a los presentes, sino también a quienes siguieron el acto a través de la radio y la televisión.

A principios del mes de marzo de 1997, recibió por su disco “Escondido en mi país”, el Premio ACE (Asociación de Cronistas del Espectáculo) al Mejor Disco de Folklore.

HOY

Durante 1998 presentó su nuevo disco “Al despertar”, con gran repercusión. Este disco marca un punto de reencuentro a pleno de Mercedes con canciones y sonidos pertenecientes a su propia raíz folklórica. Con gran repercusión recorrió el país, obteniendo una gran repercusión y adhesión en el público y las críticas especializadas.

En 1999 retoma las intensas giras internacionales de otros años. Alternando con multitudinarias actuaciones en la Argentina, cantó en México, Guatemala, El Salvador y otros países centroamericanos. En julio acompañó a Charly García en un concierto ante público de rock en el DF de México, y entre septiembre y octubre realizó una importante gira por Inglaterra, Israel, Alemania, Suiza Austria y Holanda. Poco después, en México, las máximas autoridades de UNICEF le entregaron las credenciales que la acreditaban como Embajadora de Buena Voluntad de la organización para América Latina y el Caribe.

El año 2.000 Mercedes finaliza un proyecto largamente anhelado: la interpretación y grabación de la “Misa Criolla”, la obra cumbre del folklore argentino. Mercedes logra una versión de una profundidad, exquisitez y belleza sin igual. El mundo musical recibe esta creación con excelentes críticas y comentarios. La trascendencia de las misma logra llegar al plano internacional con tal fuerza y adhesión que comienza a cosechar premios y reconocimientos importantísimos como la entrega del premio Grammy Latino a la mejor Interpretación de una obra musical. Todo un logro, sobre todo teniendo en cuenta que a las instancias finales del mismo, importantísimos artistas de talla internacional.

En el año 2.001 Mercedes ofrece una serie de recitales en vivo en el teatro Gran Rex, en Bs As. denominada “Acústico”, con obteniendo una vez más enorme repercusión en el medio artístico. Estos emotivos recitales quedaron plasmados en la edición de un disco doble que lleva el mismo nombre del espectáculo “Acústico”. En el se pueden apreciar versiones remozadas de canciones inolvidables y clásicas del repertorio de Mercedes, con un sonido acústico, interpretados excepcionalmente por su banda de músicos.

Con “Acústico” emprende una vez mas, giras por el interior del país y por el exterior: Europa, Latinoamérica, Centroamérica y Norteamérica.

A fines del 2.002 se produce uno de los encuentros quizás más esperados por los seguidores y amantes de la música popular de nuestra tierra: Mercedes Sosa Víctor Heredia y León Gieco. Juntos inician un proyecto artístico musical denominado “Argentina quiere cantar”. El éxito enorme de estos shows se ve momentáneamente interrumpido por problemas de salud de Mercedes, pero en el mes de abril de 2.003 reinician los mismos con grandes expectativas.

Articulo recogido de Kaos en la red.

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La Fuga

De donde sacara las pelas la luna para salir todas las noches.

De donde sacara la fuerza el sol para salir todos los dias.

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Tom Waits

Tom Waits

El 7 de diciembre de 1949, en un taxi que circulaba por California, nace Tom Waits. Luego se traslada a Los Ángeles, en donde de joven comienza a trabajar de mozo en pequeños pub nocturnos; trabajo que le permite conocer el submundo de la noche entre música y alcohol. Comenzará a tocar el piano y cantar en bares y hoteles, esos lugares en donde a nadie le interesa la música que se está tocando, pero entre los oyentes se encontraba Herb Cohen, quien se convierte en su mánager y le consigue su primer contrato discográfico.

Su música es una mezcla de jazz y blues, en donde el principal instrumento es su voz. La voz suena como una extraña vibración oscura, cuerdas vocales que dan la sensación de estar gastadas por el cigarrillo y el alcohol y se quejaran de ello. Es una voz ronca que expresa desesperación, lamentaciones y furia y Tom Waits se vale de ella para contar crónicas callejeras, leyendas contemporáneas de personajes marginales. Para todos estos personajes del infierno tiene una canción, son tragedias cotidianas de la vida marginal.

En 1973 graba su primer disco “Closing Time”, es un buen disco que anticipa el Tom Waits que conoceremos años más tarde. Al año siguiente graba con una orquesta de jazz “The Heart of Satuday Nigh”, logrando un trabajo de mayor solidez y las letras empiezan a ser relatos de tragedias urbanas.

En 1975 graba “Nigh thawks at the dinner” y en 1976 “Small Change”, en este trabajo queda definida la voz de Waits y está dedicado a temas como la soledad y el vagabundeo. Su siguiente trabajo “Foreign Affairs”, sigue con la línea jazzera, con sonidos fríos y relatos apocalípticos, en uno de los temas aparece acompañado por Bette Midler.

En 1978 logra un excelente trabajo “Blue Valentine”, es grabado solo en dos canales y le lleva solamente seis días; aparecen algunas canciones de amor y de engaños y la voz toma una tonalidad más furiosa que en los anteriores discos. Los problemas económicos lo llevan a aceptar un papel en la película “Paradise Alley” de Sylvester Stallone. Luego graba “Heartattack and Vine”, abandonando el grupo de jazz para acercarse al rhythm and blues, manteniendo las crónicas nocturnas en las letras. En esa época compone “Rainbow Sleeves” para la película “El rey de la comedia” de Scorsese; también rompe contrato con la compañía Asylum, terminando la relación con su mánager Herb Cohen.

En 1982 Coppola lo convoca para que componga la banda de sonido de “One From the heart”. Para ella compone doce temas y es acompañado por Cristal Gayle, convirtiéndose en el disco más delicado de Tom Waits, logrando ser denominada para el Oscar.

Al año siguiente graba el extraño “Swordfishtrombone”, produciéndose un nuevo cambio en su carrera; conserva la base del jazz y el blues pero experimentando nuevos sonidos, agregando instrumentos como el acordeón y las marimbas y su voz aparece aún más endurecida y oscura. El resultado es un muy buen disco.

Su relación con el cine no se detendrá, Coppola lo vuelve a convocar pero esta vez para realizar un pequeño papel en “Outsiders”. En 1985 graba “Rain Dogs” y nuevamente es reclamado para trabajar en cine, esta vez es reclutado por su viejo amigo Jim Jarmush, siendo uno de los protagonistas de la formidable “Down by law”.

Luego en 1987 graba “Frank’s wild years” y la banda de sonido de la película “A night on earth” de Jim Jarmush. En 1992, nuevamente es Coppola quien lo convoca para trabajar en la película “Drácula”. Ese mismo año graba “Bone Machine”, en donde aparece un perfil místico de Tom Waits, ya no canta la desesperación cotidiana del presente, sino que aparece preocupado por el destino de la humanidad, por los suicidas, por los asesinatos y por el poder.

En 1993 realiza “The Black Rider”, cantará algunas letras de William Burrough y las historias estarán referidas a sueños. Es común encontrar en los discos de Tom Waits una serie de instrumentos desconocidos que en realidad son inventos de él y de su esposa; uno de los que más aparecen es el instrumento de viento que llamó “Bioflexor Generetor”.

La conjunción de buena música, una voz muy particular y letras desgarradoras, han convertido a Tom Waits en uno de los artistas más interesantes de la cultura americana y mundial.

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Neil Young

Neil Young recuerda una noche del verano de 1977 en la que Carole King se encontraba de visita en su casa en la playa de Zuma, cerca de Malibú, en Los Ángeles. El canadiense le había pedido a la popular cantautora, compositora y arreglista que escuchara el disco que había terminado, ‘Chrome Dreams’. King escuchó con atención y, cuando el álbum llegó a su fin, le dijo abruptamente: “¡No, no Neil! Esto no es un disco, son sólo un montón de canciones. Es una maqueta, no un disco”.

“La verdad es que estaba a punto de editarlo, pero al final no lo hice”, recuerda el canadiense 30 años después. “Tengo muchas cosas sin terminar. Prefiero escribir una canción nueva que volver a trabajar un tema antiguo”.

Por eso su nuevo álbum es la segunda parte de un elepé que nunca salió. ‘Chrome Dreams II’ tiene tres canciones antiguas y siete nuevas inspiradas por aquella serie que en 1977 Carole King frustró casi para siempre.

El primer independiente

Da vértigo lanzar una mirada retrospectiva a toda su carrera, que hasta la fecha comprende más de 40 discos de rock y folk, con paradas en el blues, el rock duro, la electrónica, el soul y el country.

En el panorama actual, sólo Bob Dylan podría considerarse a su altura. Y, en lo que concierne a su actitud, siempre ha transmitido en sus 61 años de vida un temor al estancamiento y un celoso espíritu independiente. De hecho, tras haber saboreado el éxito con los grupos Buffalo Springfield y Crosby, Stills & Nash y en solitario con ‘Harvest’ (1972), el ‘singer songwriter’ tomó deliberadamente un sendero hacia la oscuridad y el olvido. Su propio sello, Geffen, llegó a demandarle por no producir música representativa de su carrera.

Cuando nos encontramos en Nueva York me parece que, a sus 61 años, sigue intentando esconderse de la mano de hierro de la historia del rock por miedo a que corroa su propia música.

Recién duchado tras una sesión mañanera en el gimnasio rebosa energía. Su leyenda como rockero indomable parece estar escrita en su rostro


Recién duchado tras una sesión mañanera en el gimnasio, con una camiseta desteñida y pantalones de deporte, rebosa energía. Su leyenda como rockero indomable parece estar escrita en su rostro: profundas arrugas, patillas prominentes, mirada intensa. Young no suele conceder entrevistas; al igual que Dylan, prefiere concentrarse en las giras y las grabaciones.

‘Chrome Dreams II’ marca un regreso a su memorable sonido de principios de los 70. “Es de los trabajos que me gusta hacer, con distintos estilos de música —explica—. Solía hacer continuamente este tipo de discos en los años 70. Todos los que grababa entonces alternaban canciones acústicas y eléctricas. Luego las cosas cambiaron en los 80, me centraba en un solo sonido. Además, las radios suelen separar los estilos, de modo que al final tuve que dejar de hacer ese tipo de álbumes. ‘Chrome Dreams II’ se nutre de aquella época”.

El eje del CD es un tema titulado ‘Ordinary People’, grabado en 1989 y nunca publicado. Durante 18 minutos, Young emplea guitarras, batería y vientos para narrar una historia de agricultores en dificultades y de obreros afectados duramente por los impuestos, las drogas y el crimen.

“La he sacado ahora porque creo que ya había llegado su momento. Posiblemente, hace 20 años a la gente le habría distraído escuchar vientos en una de mis composiciones. Algunas personas estaban disgustadas conmigo y yo no quería pelear. Pero es una grabación tan poderosa que lo ha superado todo”.

Había tenido oportunidad de entrevistar a Young anteriormente, en 2002, cuando promocionaba ‘Are You Passionate?’. En aquel álbum, fundamentalmente una colección de baladas dedicadas a su esposa, Pegi, había un tema titulado ‘Let’s Roll’, inspirado en las últimas palabras de un pasajero de uno los aviones secuestrados el 11 de septiembre. “La compuse porque la historia me pareció un acto de patriotismo tan puro, tan increíblemente puro… —me dijo Young—. Pero va a ser malinterpretada”.

Luchador político

Desde entonces, sus discos se han endurecido cada vez más (especialmente ‘Greendale’ —2003— y ‘Living with War’ —2006— ) hasta convertirse en una especie de furia sonora que recuerda tanto su indignación política de los 70 como el estallido sónico de los 90.

Hace un lustro, Young se esforzaba en expresar correctamente sus ideas sobre el 11-S; ahora tiene muchas ganas de abordar la actualidad. Sus opiniones, como su música, a menudo son impulsivas y cercanas a lo que se podría definir como un liberal patriota. “Esta época se conocerá en el futuro como la edad de las tinieblas que no vimos cuando las teníamos justo delante de nosotros. ¿Por qué hay tanta gente disgustada? ¿Qué hemos hecho? Tiene que haber una razón. Hay que revisar la Historia y ver qué les hemos hecho a estos pequeños países y cómo los hemos maltratado de distintas maneras pretendiendo hacer el bien. No nos hemos dado cuenta de que nuestro estilo de vida no es el único”.

Sus opiniones, como su música, a menudo son impulsivas y cercanas a lo que se podría definir como un liberal patriota. “Esta época se conocerá como la edad de las tinieblas”


A continuación guarda silencio y reflexiona un instante. En los años 60, se manifestó contra la guerra de Vietnam. Me asegura que el idealismo liberal de aquella época fue un éxito pero, repentinamente, comienza a hablar de Bill Clinton. “En este país se inició una serie de acontecimientos lamentables que comenzó con Clinton y ha acabado con Bush. Clinton fue un catalizador de muchas de estas cosas porque, en el ámbito moral, planteó un escenario muy negativo. Mintió directamente al pueblo estadounidense sobre una cuestión que estaba muy relacionada con el núcleo de sus valores familiares… No es una mala persona; cometió un error. Y, aunque fue una cuestión muy humana, y la gente le ha perdonado, le proporcionó al bando conservador, el bando agresivo, una enorme oportunidad. De no haber sido por lo que hizo, Al Gore podría haber llegado a ser presidente. Habríamos tenido un presidente que comprende el problema del medio ambiente, un hombre inteligente”.

Nuevo proyecto

Para Young, que ha sido un ferviente coleccionista de coches de época, el medio ambiente es una preocupación relativamente nueva. En marzo de 1966, a la edad de 20 años, condujo 3.000 kilómetros en busca de la gloria musical desde su pueblo en Canadá hasta Los Ángeles.

Aquel Pontiac familiar fue su casa durante varios meses. En las décadas posteriores ha adquirido clásicos como un Chrysler de 1951 o un Cadillac de 1956, pero no hace mucho esta fascinación dio un nuevo giro. Desde su rancho, situado a las afueras de San Francisco, fue en un antiguo y enorme Lincoln hasta un laboratorio en Kansas, donde le pusieron un nuevo motor eléctrico.

De verdad, a su edad, ¿se siente capaz de trabajar todo un año en un documental, mientras sale de gira, graba nuevos discos y coordina la colección de grabaciones inéditas?


En el camino recogió a varios autoestopistas para entrevistarles. “Es para un documental que estoy haciendo, titulado ‘Linc-Volt’. Es la historia de la resurrección y del nuevo motor del coche que representaba el sueño americano. EEUU nunca será frugal: es demasiado grande, las carreteras son muy largas y el reto es mantener todo eso sin contaminar”.

Me sonríe y se echa a reír. De verdad, a su edad, ¿se siente capaz de trabajar todo un año en un documental así, mientras sale de gira, graba nuevos discos y coordina la colección de grabaciones inéditas Neil Young Archives? El rockero no está muy bien de salud; de hecho, ha pasado toda su vida luchando contra las enfermedades. Padece epilepsia desde niño y a los cinco años cogió la polio. En los 70 vio morir a muchos amigos por la heroína. Tiene un hijo con parálisis cerebral y su mujer sobrevivió a un cáncer avanzado en los años 80.

Y, en 2005, Young fue operado de un aneurisma en el cerebro. “Es una batalla larga, sí… Soy mayor y distintas partes de mi cuerpo no funcionan como antes. Tengo dolores y molestias y me doy cuenta de que envejezco… sin embargo, me da la impresión de que ahora tengo un montón de cosas que hacer”.

AUTOR; BURHAN WAZIR (The Guardian | La Luna de Metrópoli)

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Albertucho

Alberto Romero, conocido popularmento como Albertucho, nació en Sevilla en 1983. Influenciado por grupos como Triana, Barricada, Reincidentes o Extremoduro, Albertucho es un declarado admirador de Kiko Veneno, a quien rindió tributo cantanto ‘Volando voy’ en la película del mismo nombre que dirigió en 2005 Miguel Albaladejo.

Albertucho debutó en el mercado discográfico con ‘Que se callen los profetas’ (2004), un disco de corte andaluz con constantes guiños a lo sajón e influenciado por los sonidos setenteros cuyo primer single, ‘El ángel de la guarda’, retrataba el psicoanálisis de un adolescente que de la noche a la mañana descubría que había llegado a la edad adulta.

Grabado en Madrid y publicado por Dro Atlantic, ‘Que se callen los profetas’ tenía a Eugenio Muñoz como productor. Entre las colaboraciones figuraba la de Rosendo, que grabo un solo de guitarra en el tema ‘Frío’; Kutxi Romero, de Marea, que cantaba con Albertucho en ‘Mi estrella’, y Poncho K, en ‘No pueden florecer’ y ‘Frío’.

El siguiente trabajo de Albertucho fue ‘Lunas de mala’ lengua’, editado también por Dro Atlantic en 2006. Compuesto por dieciséis temas de puro rock andaluz, el álbum tuvo a José Luis Garrido como productor e incluía la colaboración de Kutxi Romero, de Marea, y Miguel, de Dr. Sapo.

En ese álbum se dejaba sentir un Albertucho más maduro y definido, a pesar de ser conceptualmente más abierto. Los temas iban desde una pagana saeta rock en ‘Otro país distinto’ hasta el cuento psicodélico de ‘El país de los televisores’, pasando por el homenaje que el artista rinde a su abuelo en ‘Ni el mismo Dios’.

El 8 de abril de 2008 salio al mercado el tercer disco de Albertucho, ‘Amasijo de porrazos’. Producido por Guillermo Quero y Tino di Geraldo, vuelve a contar con la colaboración de Kutxi Romero, de Marea, que recita en ‘El bueno, el malo y el feo’; Lichis, de La Cabra Mecánica, que canta en ‘Yo me cojo el tren’, mientras que Fernando, de Reincidentes, y Gerardo de Vantroi y Txus, de Disidencia, desgarran juntos sus voces en ‘Me gustan más los perros que los hombres’.

Más de Albertucho:

http://www.youtube.com/results?search_query=albertucho&search_type=

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LOS PRIMEROS EN SUBIR LOS ULTIMOS EN BAJAR

 

george-harrinson.jpgUn cáncer se ha llevado a George Harrison a la edad de 58 años. El componente de The Beatles sólo fue reconocido musicalmente trás la disolución del mítico cuarteto. Un amigo personal de la familia asegura que “murió con un pensamiento en la mente: amad a los demás”.

Traveling Wilburys
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jimhorn.jpgEn un inicio penso George Harrinson y Penso tambien Bob dylan, El disco seria presentado en europa y buscaban una canción para el lado B de uno de los cortes. Para la ocasión llamaron a Tom Petty. Así grabarían el tema que intento ser el lado B de This is Love, llamado Handle With Care. La W.Bros le comento a G.Harrison que el tema era muy bueno para que solo sea un lado B.En una de las reuniones, Jef Lynne y G.Harrison invitan por teléfono a Bob Dylan y acude. Buscando alguien mayor, Dylan invita a Roy Orbison. Todo esto a modo amigos. Las pruebas los une y las musas salen por doquier. Jeff Lynne propone a Dave Stewart usar su estudio de Los Angeles y comienzan los demos. George Harrison lleva la idea a los estudios de la W.Bros junto a un par de demos. De estos también participaron artistas como el baterista Jim Keltner, el saxo Jim Horn y al percusionista Ray Cooper.

Terminaba el año 1987 cuando la Warner Bros anunciaba el álbum debut de cinco guitarristas no conocidos llamados: Charly T. Junior, Lefty, Nelson, Lucky y Otis Wilbury. Crearon una historia sobre una banda compuesta por amigos de larga trayectoria y hombres con una larga historia. Muchos apodos los unirían como supuestos hermanos de Charles Truscott Wilbury Sr.

Sale a la venta su primer LP llamado Volume 1 con sus primeros cortes (singles), que serian Handle With Care (el tema que nunca editó G.Harrison) y End Of The Line. El público los acepta y rápidamente comienza a preguntar de donde salieron. Cuando fueron Disco Doble Platino, nos encontramos con la sorpresa que estos desconocidos eran: Charlie T. Jnr (Tom Petty), Lefty (Roy Orbison), Nelson (George Harrison), Lucky (Bob Dylan) y Otis (Jeff Lynne).

El éxito les llama a la puerta; Volume 1 no para de asombrar y se le suman videos para respaldar a los simples. La puerta les vuelve a sonar, pero esta vez fue la desgracia: en diciembre de 1988 fallece de un ataque cardiaco Roy Orbison, y el resto de la banda se disuelve.

En 1990 por medio de sus propias producciones vuelven a ser Traveling Wilburys y editan su segundo trabajo llamado Volume 3. Esta vez el éxito no estuve de su lado. Tiempo después aparecieron grabaciones Piratas (Bootlegs), con demos, otras versiones, y rarezas que tuvieron por nombre Volume 2 y 4.
Una banda excelente, de primera línea. Una banda que nos demuestra que la imagen es lo de menos cuando hay calidad artística. Y si a esto le podemos aportar también algo de la imagen y sello de cada uno de los que la integraron, salen cosas de este tipo, únicas.

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album_image_6ee4da77982b654b13f5a87c885e2588c5c381f2.jpgEl quinto álbum de estudio que marca un cambio en la dirección del artista.

Jack Johnson era un surfista profesional quien tuvo un accidente que le obligó a descansar durante un tiempo. Pasó todo el tiempo de la recuperación componiendo canciones y tocando la guitarra.

Jack nació en Oahu, Hawaii, en 1975 y antes de dedicarse a la música fue uno de los mejores surfistas juveniles del mundo. Su carrera fue truncada por una ola gigante que casi lo mata y que lo obligó a abandonar la competición a los 17 años.

Pero este accidente no le impidió seguir ligado al surf. Al cumplir la mayoría de edad, viajó a California, a matricularse en la universidad de California en Santa Bárbara. Una vez finalizados sus estudios encaminó una aventura con sus inseparables amigos Chris y Emmett Malloy que daría lugar a su primera película de surf, Thicker than Water que llegó a ser muy aclamada por el mundillo surfero. En esta película Jack escribió algunas de las canciones que formarían parte de la banda sonora, esto provocó la entrada de Jack Johnson en el mundo musical.

Sus canciones Bubble Toes, Flake, Fortunate Fool o F-Stop Blues fueron un hit entre adolescentes y universitarios. Los críticos lo compararon con Ben Harper y con Dave Matthews. El álbum vendió más de un millón de copias. Las canciones son populares, cuentan historias simples de amor y desencuentros.

Posteriormente en el año 2003 creó su propio sello discográfico al que bautizó Brushfire. En este año publicó su segundo disco titulado “On and on”, donde mantuvo el mismo estilo que el anterior, pero su temas fueron más profundos como el del medio ambiente, la guerra y la obsesión capitalista del negocio como eje de la vida.

En una entrevista al The New York Times contó que su posterior trabajo, In Between Dreams, surgió de la decepción que sintió en 2004 luego de que George W. Bush fuera reelegido presidente. “Esto me decepcionó porque puse un poco de energía para tratar de echar a andar un pequeño cambio”, dijo.

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